© Monika Rittershaus / Berliner Philharmoniker

Die Digital Concert Hall gibt es seit Ende letzten Jahres und bietet die Möglichkeit, sämtliche Konzerte der Berliner Philharmoniker online in Bild und Ton mitzuerleben. Alles was man dafür braucht ist ein Internetzugang und eine Kreditkarte: Das Onlineticket fürs Konzert kostet 9.90 Euro, eine Saisonkarte 89 Euro. Zusätzlich zu den Livekonzerten werden in einem Archiv alte, zeitlich nicht gebundene Aufführungen zum Kauf angeboten.
Eine Viertelstunde vor Konzertbeginn wird der digitale Konzertsaal geöffnet und alsbald ist die Stube von geschäftigem Geschwätz des hereinströmenden Berliner Publikums erfüllt. Über den Bildschirm flimmern Bilder von einer verschneiten Philharmonie. Auf dem Programm steht «Das Paradies und die Peri» von Robert Schumann. Das digitale Programmheft verrät, dass das heute selten gespielte weltliche Oratorium bei seiner Uraufführung auf grosse Begeisterung gestossen und für Schumanns Schaffen gar nicht unwichtig sei.

Mit Spannung erwarten meine Gäste und ich nun den Konzertbeginn. In Presse und Internetblogs ist die Digital Concert Hall bereits hochgelobt und als Beginn einer neuen Ära bezeichnet worden. Ob dem wirklich so ist, wird sich bald zeigen.
Endlich ist es soweit: Die Instrumente sind gestimmt, die SolistInnen und Simon Rattle, der Chefdirigent des internationalen Starensembles, betreten die Bühne. Wie gebannt lauscht das Berliner Publikum den ersten Takten des Stücks und Bern hört und sieht live mit.
Drei Qualitätsstufen stehen dem digitalen Konzertbesucher zur Verfügung. Sogar die schlechteste davon überzeugt voll und ganz, während deren höchste mit beinahe DVD-Qualität aufwartet. Voraussetzung ist allerdings eine leistungsstarke Internetverbindung: In einem Streamtest kann vor dem Kauf des Tickets vom User überprüft werden, ob das System die Übertragung mithält.  
Während dem Konzert sorgen verschiedene Kameras dafür, das Konzertgeschehen aus unterschiedlichen Blickwinkeln beobachten zu können. Anders als im realen Konzertsaal ist jedes einzelne Soli hervorragend sichtbar. Das bringt aber gleichzeitig einen Nachteil mit sich: Der Blick des Zuschauers wird durch die Kamera und nicht durch die eigene Entscheidung gelenkt. Weiter zeigen Einblendungen die Titel der einzelnen Nummern des Oratoriums an. Schade ist, dass im digitalen Konzertraum keine Untertitel mit den Librettotexten angezeigt werden.

Während der Pause wird ein Interview mit Simon Halsey dem Chefdirigenten des Rundfunkchor Berlins ausgestrahlt. Er spricht über die Geschichte des Chors und über Schumanns Werk. Nichts Neues allerdings, was man nicht schon aus dem Programmheft hätte entnehmen können. Die darauf folgende Werbung der Deutschen Bank - Hauptsponsor der Digital Concert Hall nota bene – zerstört die ganze mehr oder weniger erfolgreich simulierte Konzertatmosphäre.

Gleich geht es aber mit dem zweiten Teil des Konzertes weiter und bald ist der erste Besuch in der digitalen Konzerthalle bereits Geschichte. Das Fazit fällt durchwegs positiv aus: Grundsätzlich bietet die Digital Concert Hall eine neue Möglichkeit weltberühmte MusikerInnen in bester Qualität live zu Hause in der Stube zu geniessen. Nun, die reale Konzerthalle ersetzt das Projekt nicht, soll es auch nicht: Die Digital Concert Hall ist eine neue, zusätzliche Möglichkeit sich mit klassischer Musik auseinanderzusetzen.
Diese neue Form der Konzertübertragung ist zukunftsweisend: Es ist durchaus vorstellbar, dass die live Übertragung von Klassik- und auch von Popkonzerten in einigen Jahren weit verbreitet ist und von der Musikindustrie als zusätzliche, finanzielle Einnahmequelle entdeckt wird. Die Berliner Philharmoniker übernehmen damit erneut eine Vorreiterrolle, nachdem das Orchester mit Herbert von Karajan 1980 bereits die erste digitale Einspielung auf CD realisierte.  

http://dch.berliner-philharmoniker.de

Konzerte im März

Samstag, 7. März
Berliner Philharmoniker, Gustavo Dudamel (Dirigent), Viktoria Mullova (Violine)

-    Sergej Rachmaninow Die Toteninsel, Op. 29
-    Igor Strawinsky Concerto en Ré für Violine und Orchester
-    Sergej Prokofjew Symphonie Nr. 5 B-Dur Op. 100

Samstag, 14. März
Berliner Philharmoniker, Michael Boder (Dirigent), Anja Kampe (Sopran)

-    Elliott Carter Boston Concerto
-    Robert Schumann Symphonie Nr. 3 Es-Dur Op. 97 ‚Rheinische’
-    Richard Wagner Wesendonck-Lieder
-    Witold Lutoslawski Konzert für Orchester

Sonntag, 22. März
Berliner Philharmoniker, Nikolaus Harnoncourt (Dirigent) u.v.m.

-    Joseph Haydn Orlando Paladino, Dramma eroicomico Hob. XXVIII:I

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Dieser Artikel erschien im ensuite Kulturmagazin Nr. 75 | März 09

Für den Laien einige erklärende Infos vorab (Wichtig: Unbedingt Petition unterschreiben - Infos am Ende des Beitrags):

– Das HEKS ist das Hilfswerk der Evangelischen Kirchen der Schweiz. Es gehört zu den grossen Hilfswerken der Schweiz und ist international in rund 290 Projekten in 45 verschiedenen Ländern engagiert. Das Hilfswerk wurde vom Schweizerischen Evangelischen Kirchenbund (SEK) gegründet und ist daher seit seiner Gründung stark mit der evangelischen Landeskirche verbunden.

– Nestlé ist der grösste Nahrungsmittelkonzern der Welt und zugleich der grösste Industriekonzern der Schweiz. Néstle war in den letzten Monaten nicht gerade durch positive Schlagzeilen in den Medien präsent: Der Konzern geriet in die Kritik, weil er in mehrere Spionagefälle verwickelt ist. U.a. liess er eine westschweizer Attac-Gruppe ausspionieren.

Nun also, worum geht es: Im Sommer 2008 hat die Abgeordnetenversammlung des SEK den Generaldirektor von Nestlé Schweiz, Roland Devorvet, in den Stiftungsrat von HEKS gewählt. Aus verschiedenen Gründen ist diese Wahl absolut untragbar:

– Nestlé treibt, als gewinnorientierter Nahrungsmittelkonzern, die Privatisierung von Wasser mit aller Kraft voran und bringt mit seinen aggressiven Geschäftspraktiken BäuerInnen in Bedrängnis.
Das HEKS hat sich derweil das Recht auf Nahrung auf die Fahnen geschrieben und auch der SEK hat eine Erklärung unterzeichnet, die das Recht auf Wasser als Menschenrecht und öffentliches Gut deklariert.

- Nestlé sieht sich in vielen Ländern mit den Vorwürfen konfrontiert, Menschenrechte und das Arbeitsrecht mit Füssen zu treten.
Das HEKS ermutigt seit Jahren ArbeiterInnen-, Frauen- und LandarbeiterInnenorganisationen, ihre Rechte einzufordern.

Ein Vertreter einer wirtschaftlich orientierten Organisation wie Nestlé hat nichts im Stiftungsrat einer Non-Profit-Organisation wie das HEKS eine ist, verloren. Verschiedene Werte und Interessen sind nicht miteinander zu vereinbaren. Es ist beängstigend wie selbst Hilfswerke in heutiger Zeit zunehmend nur noch wirtschaftlich auf Wachstum orientiert sind und ihren Kernbereich, der Einsatz für Gerechtigkeit, so immer mehr vernachlässigen.
Eine Gruppe aus dem kirchlichen Umfeld sammelt nun Unterschriften gegen diesen schleichenden Kurswechsel bei einem der grössten Hilfswerke der Schweiz. Sie fordern den SEK und den HEKS-Stiftungsrat u.a. dazu auf, sich einzusetzen für:

- ein politisches HEKS, das nicht davor zurückschreckt, die strukturellen Ursachen von Armut und Unrecht zu benennen.

- ein globalisierungskritisches HEKS, das in den eigenen Arbeitsschwerpunkten die Tätigkeit der multinationalen Konzerne kritisch begleitet.

- ein partnerschaftliches HEKS, das auf allen Ebenen die Zusammenarbeit mit ähnlich orientierten Hilfswerken und NGO’s sucht.

- ein profiliertes HEKS, das sich nicht scheut, in der Öffentlichkeit seine kritische Stimme hören zu lassen.

Zahlreiche NationalrätInnen haben die Petition unterzeichnet: Josiane Aubert (SP/VD), Maya Graf (Grüne/BL), Josef Lang (Alternative/ZG), Jacques Neirynck (CVP/VD), Maria Roth-Bernasconi (SP/GE), Carlo Sommaruga (SP/GE), Franziska Teuscher (Grüne/BE), Josef Zisyadis (PdA/Genf) und Ständerätin Liliane Maury Pasquier (SP/GE) sowie Alt-Nationalrat Jean Ziegler (SP/GE). 

Bitte unterschreibt die Petition. Ihr könnt dies entweder online tun, oder einen Unterschriftenbogen (mit genaueren Erläuterungen zu den Forderungen) downloaden und ausdrucken:

Petition online unterschreiben

Petition downloaden

Auf der Website des Komitees für ein politisch engagiertes und prophetisches HEKS findet ihr weitere Infos zur Petition: www.eper-quo-vadis.ch

Die Zytlupen Sendungen von Gisela Widmer, jeweils am Samstag Mittag auf DRS 1, ca. einmal im Monat, sind immer wieder ein Highlight. Speziell, jene vom letzten Samstag: Gisela Widmer macht sich auf die Suche nach der real existierenden Realität und versucht daraus nützliche Fragen für den Schulunterricht zu erfinden, um damit die gängigen, unrealistischen Mathe-Aufgaben zu ersetzen. Einige Beispiele:

- Erkläre den Unterschied zwischen Boni und variablen Lohnbestandteilen. Erkläre den Unterschied einem breiteren Publikum ohne dabei zu erröten. Lege dann die aus den Boni und den variablen Lohnbestandteilen resultierende Differenz gewinnbringend bei einer Kantonalbank an.

- Wenn ein Schweizer Banker oder Politiker erklärt, der Schweizer Finanzmarkt sei bestens aufgestellt, wie lange dauert es dann bis zu dessen endgültigen Zusammenbruch?

- Versuche herauszufinden, wer Schuld ist an der weltweiten Finanz- und Wirtschaftskrise. Wenn du die Lösung gefunden hast, bereite das Eröffnungsreferat für das Davoser WEF-Treffen vom kommendem Jahr vor, und sage, du hättest das alles schon letztes Jahr gesagt. Zusatzaufgabe: Berechne wie viele diesjährige Teilnehmer gesagt haben, sie hätten die Krise schon vor Jahren kommen sehen. Berechne zudem, wie viele diesjährige Teilnehmer statt auf dem Podium im Gefängnis hätten sitzen müssen.

…

Eine äusserst erfrischende und treffend satirische Beobachtung der aktuellen Weltlage. Wer sich die Sendung in voller Länge zu Gemüte führen möchte, kann das hier tun.

Es geht nicht mehr lange, und die ersten Programme der nächsten Openairsaison werden veröffentlicht. Ein Zeichen, dass der Winter bald überstanden ist. Die beste und aktuellste Zusammenstellung in dieser Sache liefert, wer ihn noch nicht kennt, der Openairguide. Genau dort konnte man vor einigen Tagen die erste heisse Meldung des Jahres lesen: B.B. King am Montreux Jazzfestival 2009.Die Quelle ist ein Interview von Claude Nobs mit Le Matin. Das klingt doch schon vertrauenswürdig. Wenn dem so ist, und der King of Blues tatsächlich wieder in die Schweiz kommen sollte, wird mich auch der lange Anfahrtsweg von München nicht daran hindern. Diese Chance darf man sich nicht entgehen lassen, erst recht, wenn man B.B. noch nie gesehen hat (wie ich). Sehr viele Möglichkeiten die lebende Legende noch live zu sehen, werden sich (in Europa) wohl nicht mehr bieten. Gespannt warte ich nun auf das offizielle Programm.
Auch für das Gurtenfestival ist bereits die erste Band bekannt: Sorgente aus München (!). Die Soundschnipsel auf der Website überzeugen mich allerdings nicht so recht. Vorcheck: 21.3. am Funk Roots im Gaskessel (Yay! =)).

Irish/Celtic Folk. Wer auf Englisch «You’re telling yarn» zu hören bekommt, wird offensichtlich nicht ernst genommen. Ernst nehmen, sollte man das neue und vierte Album der Berner Celtic-Folk Band An Lár aber auf jeden Fall. Denn «Yarn» erzählt kein Seemannsgarn, oder sagen wir nicht nur.

Die Reise durch Eigenes und Traditionelles beginnt bereits auf dem Cover. Ein Barograph zeichnet den Verlauf des Luftdrucks ein. Dieser fällt und steigt über die ganze Platte hinweg und mit ihm das Wetter. Ein Lied über Bootsbauer macht den Anfang und weckt sogleich Aufbruchsstimmung. Luftdruck steigend. Die nächste Geschichte, handelt von einem Gerstenkorn, das in einem Bier endet. Dann ist da ein Mann, der Zeit seines Lebens vom Wasser angezogen, von diesem aber nicht aufgenommen wird. Da ist Larry, der gehängt wird, zuerst aber noch einmal mit seinen Freunden Karten spielen will. Und da sind irische Arbeiter, die fernab ihrer Heimat in London einen Tunnel graben. Wetter bewölkt. Luftdruck sinkend.

An Lár erzählt aber nicht nur  Geschichten in alter, irischer Tradition, sie spielen auch instrumentale Tanzsets: Fiddel, Whistles, Gitarre, Akkordeon und Bodhrán (irische Rahmentrommel) verschmelzen zu einer einzigen Aufforderung zum fröhlichen Tanz. Luftdruck hoch, Wetter schön.

Das Ende der Platte ist deren Höhepunkt. Eingeleitet wird es durch das Stück „The Odd Couple“. Ein Tanz, der immer eigenartiger, verrückter und zugleich fesselnder wird. Man spürt förmlich Wolken aufziehen. Luftdruck sinkend. „Silent March“: eine traurige aber dennoch kämpferische Hymne an John McLean, schottischer Lehrer und Marxist. Die Tendenz des Luftdrucks zum Schluss ist wieder steigend. Ein schwermütiger Walzer lässt Fernweh aufkommen: Entweder bucht man seine nächsten Ferien sofort auf der grünen Insel oder lässt «Yarn» wieder von vorne beginnen.

Info: www.anlar.ch

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Dieser Artikel erschien im ensuite Kulturmagazin Nr. 74 | Februar 09

Schon lange ist HipHop kein rein amerikanisches Phänomen mehr. Auf der ganzen Welt gibt es mittlerweile lokale HipHop-Communities, in zahlreichen Sprachen wird heute gerappt.  HipHop ist also längst international und multikulturell geworden und ist kein „black thing“, wie immer wieder behauptet wird. Und, was viele nicht wissen: Auch in seinen Anfängen war es das nicht.
Ihren Ursprung findet die HipHop Kultur Mitte der 70er Jahren in den Ghettos New Yorks. Die Bevölkerung von Harlem und den Bronx war zu einem grossen Teil afroamerikanisch. Daneben lebten am selben Ort aber auch zahlreiche Latinos. Genau hier, also zeitgleich mit der Geschichte des HipHop überhaupt, beginnt auch die Geschichte des Latin HipHop.
Die Latinos waren integraler Bestandteil der HipHop Kultur in seinen Anfangsjahren und nicht nur Fans in der Statistenrolle. Dies zeigt sich besonders deutlich in den Elementen Graffiti und Breakdance. In den übrigen zwei Elementen des HipHop, DJing und Rap, war es für Latinos hingegen lange sehr schwer, sich durchzusetzen.
Die Situation begann sich nur langsam zu ändern und Latino Rapper in ganz Amerika gingen ehrgeiziger und selbstbewusster der Idee eines identitätsstiftenden Latino Raps nach. Der kommerzielle Durchbruch, gelang erst zu Beginn der 90er-Jahre in Los Angeles.

Die Entwicklungsjahre
Zurück in das New York der 70er Jahre. In der Bronx und in Harlem lebten Afroamerikaner  und Latinos Seite an Seite. Die grösste Gruppe innerhalb der Latinos stammte aus dem offiziell mit den USA assoziierten Freistaat Puerto Rico. Weiter lebten zahlreiche Dominikaner und Kubaner in Big Apple. Es erscheint verständlich, dass Latinos und Afroamerikaner in jedem Bereich des täglichen Lebens aufeinander trafen. Dabei entstand eine Verschmelzung zweier Kulturen, die bereits in den 40er-Jahren mit Cubop (Latin Jazz) ihren Anfang nahm, und im HipHop in den Siebzigern ihre Fortsetzung.
In «Wild Style», dem HipHop Kultfilm aus dem Jahre 1983, wird die Bedeutung der Latinos innerhalb der HipHop Kultur besonders gut sichtbar. Die beiden Hauptpersonen und Graffitikünstler, Lee Quiñoes (Zorro) und Lady Pink stammen beide aus Puerto Rico. Nicht nur in der Graffti-Szene waren Latinos prominent vertreten, auch im Breakdance spielten sie eine zentrale Rolle. Lateinamerikanische Tanzstile wie Rumba, Mambo oder Latin Hustle haben die Entstehung des Breakdance neben anderen Stilen massgeblich beeinflusst. Die wichtigsten Break-Crews von New York wurden alle von Latinos dominiert, insbesondere die Rock Steady Crew mit ihrem puertoricanischen Leader Richard Colón alias Crazy Legs.
Ungleich schwieriger war es für Latinos im Rap und DJing Fuss zu fassen. Rap galt als eine schwarze Angelegenheit. Häufig hiess es abschätzig: «What the fuck are you doing here, Porto Rican?» Die Folge davon war, dass viele Puerto Ricaner, die sich mit Rap versuchten, im Untergrund blieben und ihr Talent nur an Home- oder Blockpartys zeigten. Trotzdem gab es Latinos, die sich in diesen frühen Tagen des Rap einen Namen machen konnten. Dazu mussten sie sich jedoch völlig unauffällig verhalten und alles, was ihre lateinamerikanische Herkunft verriet, verdecken. Spanische Namen oder gar spanische Texte hatten keine Chance. Künstlernamen wie sie Prince Whipper Whip und Ruby Dee von den Fantastic Five oder Master OC von den Fearless Four gewählt haben, lassen keine Puerto Ricaner vermuten.
Der berühmteste Puerto Ricaner dieser Tage, war DJ Charlie Chase von den Cold Crush Brothers, einer HipHop Gruppe der ersten Stunde. Als DJ versuchte er seinen lateinamerikanischen Hintergrund in den HipHop einfliessen zu lassen. Immer wieder baute er möglichst unauffällig kurze, rhythmische Sequenzen, sogenannte Breaks, aus der lateinamerikanischen Musik in seine DJ-Sets mit ein. Latin-Breaks waren beim Publikum sehr beliebt, nur wusste dieses über deren Ursprung nicht Bescheid.

«Disco Dream» und Spanglish
1981 erschien auf Suger Hill Records «Disco Dream» von Mean Machine. Es war der erste Rapsong, der auf Vinyl gepresst wurde und spanische Rhymes verwendete. Das war etwas Neues, noch nie Gehörtes. Dieser Track beeinflusste viele spätere Latin HipHopper im ganzen Land. Es sollte aber noch rund acht Jahre dauern, bis sich Latin HipHop kommerziell durchsetzen konnte.
«Disco Dream» verwendet Spanglish, eine Mischung aus Spanisch und Englisch. Ein Slang, der die Kommunikation der Latino Kids auf der Strasse widerspiegelt. Ein weiteres Beispiel für die Vermischung von afro- und lateinamerikanischer Kultur.
Die Single zeigte den Latinos, dass spanische Rhymes möglich waren. Puertoricaner, die bis anhin vor allem auf Englisch rappten, hatten nun den Mut, spanische Texte zu schreiben und sie auch zu verwenden. Gleichzeitig steigerte sich auf der Strasse die Akzeptanz spanischer Texte sowie hispanischer MCs und DJs. Wenn sich Leute wie Prince Whipper Whip oder Charlie Chase bislang hinter ihren Namen verstecken mussten, war jetzt das Gegenteil der Fall: Latinos waren „in“, Spanisch war etwas Neues, das faszinierte.
Kommerziell war indessen nach wie vor Funkstille angesagt. Nach «Disco Dream» folgte lange nichts mehr. Für Mean Machine blieb es bei dieser einen Platte und auch andere Acts hatten keine Aussicht auf kommerziellen Erfolg. Unter anderen sind vor allem zwei Ursachen für diese Ignoranz seitens der Plattenindustrie zu nennen: Zum einen richtete sich der Fokus im HipHop dieser Jahre zunehmend auf «Black Nationalism». Zum anderen war «Bilingual Rap» nicht gewünscht. Die Vertreter der Plattenfirmen forderten Latino Rapper auf, sich für eine Sprache zu entscheiden. Doch das wollten die puertoricanischen MCs nicht. Zu fest waren sie in der amerikanischen, wie auch in der puertoricanischen Kultur verwurzelt, als dass sie sich auf eine Sprache einigen wollten. Für viele war Englisch Alltagssprache und Spanisch Muttersprache – wenn überhaupt.

«La Raza»: Latino Rap
Mit der Herausbildung einer zweiten grossen HipHop-Szene an der West Coast und dem Aufkommen des Gangsta Rap Ende der 80er-Jahre, begann auch für den Latin HipHop eine neue Ära. Schauplatz war nicht mehr New York, sondern Los Angeles an der Westküste. Genau genommen der Stadtteil South Gate, in welchem überwiegend Latinos lebten. Der Grossteil davon war mexikanisch stämmig. Latinos mit einer mexikanischen Vergangenheit werden oft auch als Chicanos bezeichnet. Im selben Viertel L.A.s, das auch Chicano City genannt wird, wuchs Mellow Man Ace mit seinem Bruder Sen Dog auf. Letzterer gründete die bis heute international wohl erfolgreichste und bekannteste Latino Rap-Gruppe überhaupt: Cypress Hill.
Doch bevor Cypress Hill das Geschehen bestimmen sollte, waren zwei Veröffentlichungen nötig, um das kommerzielle Eis für den Latino Rap endgültig zu brechen. Deren erste ist «Mentirosa» von Mellow Man Ace, 1989 auf Capitol Records erschienen. «Mentirosa» ist die erste Latino Rap Single, die Goldstatus erreichte. Ein Jahr später veröffentlichte Kid Frost auf Virgin Records «La Raza».
Frost stammt von mexikanischen Einwanderern ab und wuchs auf verschiedenen Militärbasen wie auch in South Gate auf. Er war ein Pionier des Latin HipHop und wurde für viele gar zum „Godfather of Chicano Rap“. «La Raza», was wörtlich übersetzt «die Rasse» heisst, hier aber eher im Sinne einer Bezeichnung für die Chicano Community verwendet wird, wurde für viele Latinos zu einer Art Hymne. Der Text ist teilweise im Chicano Slang Caló geschrieben. Ein Dialekt, der von spanischen Fahrenden nach Amerika gebracht und dort mit vielen Anglizismen versehen wurde. Inhaltlich beschreibt «La Raza» das Leben von Frosts Latino-Gang, die mit tiefgebauten Autos, den «Lowridern», innerhalb ihres Viertels, ihre Stärke zur Schau stellen.
«La Raza» verhalf dem Latino Rap zum endgültigen Durchbruch. Kid Frost gab den Chicanos eine Stimme, mit welcher sie sich identifizieren konnten. Gleichzeitig ebnete er den Weg für viele Latino Artists und verschiedenste Strömungen innerhalb des Latino Raps. Darunter, wie erwähnt, auch Cypress Hill, die ihrerseits wiederum viele Latino Rap Gruppen inspiriert haben.
Durch den Erfolg von Cypress Hill beeinflusst, versuchten auch in New York einige Latinos im Hardcore Rap Fuss zu fassen, was teilweise auch gelang. Namen wie Fat Joe, Big Pun oder Beatnuts mögen manchen bekannt sein. Im Gegensatz zu ihren Vorbildern aus L.A. rappen die oben genannten Artists jedoch nicht in Spanisch oder Spanglish, sondern in Englisch. Sie verstehen sich wie viele Latinos, die kein oder nur wenig Spanisch sprechen, in erster Linie als Amerikaner.

Kein eigenständiges Subgenre
Die Geschichte des Latin HipHop könnte die Vermutung erwecken, Latino Rap sei innerhalb des HipHop ein eigenständiges Subgenre. Das trifft aber überhaupt nicht zu. Latino Rap ist genauso Gangsta Rap, Hardcore Rap oder Conscious Rap. Die Bezeichnung «Latino Rap» sagt also einzig etwas über die Herkunft der Akteure, die alle in erster Linie von der lokalen und damit von der afroamerikanischen HipHop Community beeinflusst wurden, und bis zu einem gewissen Grade etwas über die verwendete Sprache aus.
Mit der Geschichte des Latin HipHop geht es vor allem darum, aufzuzeigen, dass die Entstehung von HipHop eine multikulturelle und keineswegs eine nur auf Afroamerikaner fokussierte Angelegenheit war. Weiter kann die Geschichte des Latin HipHop exemplarisch verdeutlichen, wie Gruppen gleicher Herkunft HipHop als Mittel benutzen, um eine eigene Identität herzustellen. Beispiele hierfür gibt es mittlerweile in fast allen Winkeln auf dieser Welt. Dies genauer zu verdeutlichen würde den hier vorgegebenen Rahmen aber bei weitem sprengen.

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Dieser Artikel erschien im ensuite Kulturmagazin Nr. 74 | Februar 09

Interview mit David Brühlmann und Stefanie Aeschlimann von An Lár

Schon seit über 15 Jahren besteht die mittlerweile vierköpfige Berner Celtic Folk Band An Lár. Ende Januar taufen sie im Bären Münchenbuchsee ihr viertes Album «Yarn». Ein Interview mit und über An Lár und Irish Folk in Irland und der Schweiz.

ensuite – Kulturmagazin: Bald erscheint die neue CD von An Lár. Sie heisst «Yarn». Übersetzt heisst das «Garn». Was steckt hinter diesem Titel?
David Brühlmann: Der Titel unserer neuen Platte bedeutet übersetzt «Seemannsgarn». Wenn du auf Englisch jemandem sagst «You’re telling yarn», heisst das soviel wie «Du erzählst wieder irgendein Geflunker».

Ist «Yarn» eine Platte mit Seemannsliedern?
David: Ja, das stimmt ein Stück weit. Ich selbst, bin ein alter Wasserfan. In zwei Texten von mir auf der neuen Scheibe geht es um Wasserliebhaber. Der eine Text handelt zum Beispiel von Bootsbauern. Ich habe darüber einmal eine DOK gesehen. Bis in die 50er Jahre hinein gab es in der Normandie und in der Bretagne einige Jungs, die der Küste entlang zogen und Schiffe bauten. Diese waren immer auf die gleiche, einfache Art  konstruiert. Egal ob gross oder klein.
Das andere Lied ist die Geschichte von einem Mann, der vom Wasser angezogen wird, gleichzeitig von diesem aber abgelehnt wird. Nur die Meerjungfrauen singen für ihn. Das war eigentlich der Grund für diesen «Seefahrertouch», den das neue Album jetzt bekommen hat.

Auf dem Cover sieht man eine «Garn-Aufwickelmaschine»…
David: Nein, das ist ein Barograph. Ein Barometer, der den Verlauf des Luftdrucks aufzeichnet. Ich weiss, es sieht aus wie eine Nähmaschine.
Stefanie Aeschlimann: Die aufgezeichnete Linie des Luftdrucks geht dann weiter und fliesst innerhalb des Booklets in unsere Portraits über, die Matteo gezeichnet hat, und wird so zum eigentlichen Garn, das uns umspinnt.

An Lár bedeutet auf Gälisch «das Zentrum». Welches Zentrum ist damit gemeint?
David: Das muss man nicht so eng sehen. «An Lár» ist einfach Gälisch und steht in Dublin auf jedem zweiten Bus und in ganz Irland auf fast jedem Wegweiser.
Stefanie: Der Name ist uralt und prägt unsere Band schon fast seit ihren Anfängen. Man kann «An Lár» als Wegweiser zu einem Zentrum hin verstehen. Das Zentrum von An Lár sind wir zu viert.
David: Das hast du jetzt sehr schön gesagt. lacht

Seit wann gibt es
An Lár?
Stefanie: Das ganze begann – wir wissen es selber nicht mehr so genau – ungefähr 1992/93 als Trio. Jürg ist der einzige, der seit dem Anfang dabei ist. Ein Jahr später stiess ich zur Band und wir waren lange zu fünft unterwegs. 1999 gab es einen Wechsel: David kam zu uns und ein Jahr später schliesslich Matteo. Bis vor zwei Jahren waren wir dann zu sechst. Seit 2006 existiert nun eigentlich die heutige Viererformation.

Zeitweise wart ihr sogar zu siebt unterwegs. Wie habt ihr die Umstellung von dieser grossen Gruppe zu einem Quartett erlebt?
Stefanie: Durch die Umstellung wurde das Ganze sehr transparent und intensiv. Die Band wurde kleiner, die Zahl der Instrumente blieb aber gleich hoch.
David: Es kamen sogar noch mehr dazu.
Stefanie: Die Musik konnte davon nur profitieren. Die Arrangements wurden zwangsläufig klarer, feiner und ausgeklügelter…
David: … und abwechslungsreicher. Durch die vielen Instrumentenwechsel, die nötig wurden, ändert sich laufend die Farbe der Songs. Gleichzeitig ist ein Quartett, wie Stefanie schon gesagt hat, auch viel intensiver: Jeder muss einen weitaus grösseren Platz einnehmen als noch in der grösseren Formation.

Wie seid ihr dazu gekommen Irish Folk zu spielen?
David: Da hat jeder seine persönliche Geschichte.
Stefanie: Nach vielen Jahren Klassik hatte ich keine Lust mehr darauf und war auf der Suche nach neuen Möglichkeiten. Auf einer Irlandreise erlebte ich die Spielfreude der irischen MusikerInnen und war sofort hell begeistert.
David: Bei mir ist es total schräg. Ich hatte lange ein Rockduo, das sich langsam ausbaute und entwickelte. Später kam Karin Widmer dazu, die parallel auch bei An Lár dabei war. Plötzlich sagten die Leute unser Sound klinge irisch und wir bekamen Anfragen von einigen Irish-Festivals. Bis dahin war ich aber noch nie selbst in Irland und wusste wenig von irischer Musik.
Eine spätere Irlandreise, auf welcher auch einige Bandmitglieder von An Lár dabei waren, gefiel mir derart, dass ich mich endgültig für Irish Folk zu interessieren und begeistern begann. Dann suchte An Lár plötzlich einen Sänger und ich sang bei einem Konzert einige Lieder mit. Seither blieb ich hängen.
Stefanie: Nach dem Konzert war es für uns klar, dass David bleiben muss, zu gut hat er zu uns gepasst. Er konnte gar nicht anders. lacht

Ihr habt gerade von der Instrumentierung gesprochen. Was benutzt ihr für Instrumente?
Stefanie: Neben den in der Irish Folk Kultur traditionell sehr stark verankerten Instrumenten wie Fiddle, den verschiedenen Whistles und Flöte benutzen wir auch „modernere“ Begleitinstrumente wie Gitarre, Banjo, Mandola sowie Knopfakkordeon und Konzertina.
David: Als rhythmische Grundlage spiele ich Bodhrán. Das ist eine irische, mit Ziegenfell bespannte, Rahmentrommel.

Ein enormer Reichtum an Instrumenten. Wie setzt ihr das um? Arrangiert ihr die Stücke?
David: Ja, bei uns ist praktisch alles durcharrangiert. Die vielen Breaks, Takt- und Rhythmuswechsel, die wir einbauen, lassen wenige Freiheiten zu. Wir arbeiten ganz klar auf Konzerte, bzw. auf eine Platte hin. Ganz im Gegensatz zu traditionellen, irischen Sessions.

Die sogenannten «Sessions» sind ein zentraler Bestandteil der irischen Musik. Bei einer Session musiziert eine Gruppe MusikerInnen in einem irischen Pub zusammen.
Stefanie: Genau. Bei diesen Sessions beginnt ein Musiker mit einem Stück, sei es ein Jig oder ein Reel, und die anderen steigen dazu ein. Die rhythmische Grundform wird beibehalten, während die Melodie gewisse improvisatorische Freiheiten erlaubt. Das sind ungeschriebene Regeln, nach welchen diese Sessions jeweils ablaufen.
David: Eine Session in einem irischen Pub ist ein fantastisches Erlebnis. Man sitzt um einen Tisch herum mit MusikerInnen, die man zuvor noch nie gesehen hat. Kennt man das Stück, spielt man mit. Kennt man es nicht, hört man zu oder trinkt sein Bier.
Wir finden aber, dass eine solche Session nicht auf eine Bühne gehört. Es braucht den Rahmen des Pubs mit dem fliessenden Übergang von Musiker zum Zuhörer. Eine Session ist nicht wie ein Konzert als primäre Unterhaltung gedacht, sondern in erster Linie als Austausch unter MusikerInnen. Das passt nicht auf eine Bühne.

Werden hier bei uns in der Schweiz auch solche Sessions gespielt? Organisiert ihr selbst welche?
Stefanie: Ja, es gibt da sogar eine relativ grosse Szene. In Steffisburg zum Beispiel werden immer wieder welche organisiert. Wir haben allerdings selten Gelegenheit, daran teilzunehmen. Vielmehr veranstalten wir ab und zu selber Sessions, an welchen wir als Band mit einigen befreundeten MusikerInnen teilnehmen.
David: Oder mit anderen Bands. Vor kurzem kam eine Band aus Irland in die Schweiz, die wir gut kennen. An ihrem konzertfreien Tag kamen sie dann zu uns und wir spielten einen Abend lang zusammen. Das war grossartig.

Der Austausch mit irischen MusikerInnen ist euch also sehr wichtig?
Stefanie: Gerade in einer Musik, wo es praktisch keine Noten gibt, ist dieser Austausch sehr wichtig. Irische Musiker besitzen ein riesiges Repertoire an Melodien, die sie auswendig kennen und auch spielen. Damit füllt man sich ein Tape oder eine MiniDisc und lernt es zu Hause.
David: Die alte Variante ist aber immer noch die, dass man es direkt im Pub lernt. In Irland reist man dafür herum, weil man weiss, jeden Donnerstag spielt der und der in dem und dem Pub.
Stefanie: Von einer Session nimmt man enorm viel mit nach Hause. Wir waren zwar noch nie als Band zusammen in Irland. Einzelne von uns gehen aber immer wieder hin und spielen dann auch selbst an Sessions mit.

Wie gehen die irischen MusikerInnen damit um, wenn ihr als «Touristen» an diesen doch sehr traditionellen Sessions teilnehmt?
Stefanie: Das hat sich etwas gewandelt. Ich gehe schon seit bald 15 Jahren regelmässig nach Irland. Es gibt jetzt zunehmend Sessions, wo man das Bier selber bezahlen muss. Früher hiess es „Oh hello, you’re a musician? Come in and sit down“. Dann bestellte man und bekam den ganzen Abend dieses Getränk serviert. Heute hat diese spezielle Art der Gastfreundschaft etwas nachgelassen.
Häufig erleben wir aber positive Reaktionen, obwohl man sagen muss, dass die irischen MusikerInnen einem schon sehr genau auf die Finger schauen. Dafür würdigen sie es dann auch, wenn man mithalten kann.

Habt ihr bestimmte Vorbilder?
Stefanie: Da hat natürlich jeder seine eigenen Solo-MusikerInnen als Vorbild, je nach Instrument. Es gibt aber auch Bands, die wir alle toll finden, wie zum Beispiel LAU, ein Trio aus Schottland. Was uns an ihnen vor allem gefällt sind die grossartigen Arrangements ihrer Songs, die allesamt Eigenkompositionen sind.
David: Aber auch rein traditionelle Bands aus Irland, wie zum Beispiel Dervish, könnte man als unser Vorbild bezeichnen.

Gibt es in der Schweiz ausser An Lár auch noch andere Irish Folk Bands?
Stefanie: Es gibt tatsächlich nur etwa vier, fünf Bands, die wirklich aktiv sind. Dazu gehören in der Westschweiz zum Beispiel Eowyn und Elandir oder Inish aus dem Raum Zürich.

In den letzten Jahren wuchs die Anhängerschaft des Irish Folk enorm. Spürt ihr das?
David: Ja. Wir sehen vor allem immer mehr junge Leute in unserem Publikum. Das muss unter anderem auch mit diesem Mittelalter-Boom zusammenhängen. Innert weniger Jahren ist da eine relativ grosse Szene entstanden, mit Mittelaltermärkten, Ritterspielen und allem Drum und Dran. «Lord Of The Rings» war da gewiss nicht unschuldig, obwohl das alles ja eigentlich nichts mit Irish Folk zu tun hat.

Zum Schluss möchte ich noch auf eure Texte zu sprechen kommen. Neben den Instrumental- kompositionen sind etwa die Hälfte eurer Stücke Lieder. Einerseits traditionelle andererseits aber auch selbst geschriebene. Es sind alles Geschichten. Sei es die Geschichte über den Farmer Michael Hayes oder über ein Gerstenkorn.
Stefanie: Die Tradition des Geschichtenerzählens ist in der irischen Kultur sehr wichtig und tief verankert. Ich war auch schon an einer Session wo plötzlich ein alter Mann aufstand, von dem man nicht dachte, dass er sich noch zu Wort melden würde, und ein traditionelles irisches Lied mit etwa zwölf Strophen sang. Dabei war das ganze Pub still. Das sind Geschichten, die aus der bewegten Vergangenheit Irlands aber auch aus dem eigenen Dorf und Erfahrungshorizont erzählen.

Wie zum Beispiel «The Wind That Shakes The Barley», das David an euren Konzerten jeweils alleine singt. Im gleichnamigen Kinofilm von Ken Loach singt eine alte Mutter dieses Lied am Grabe ihres im Unabhängigkeitskrieg getöteten Sohnes.
David: Ja, genau. Diese Lieder wurden teilweise auch über Generationen hinweg mündlich weitergegeben und immer wieder aktualisiert und mit neuen Strophen versehen. Ein wichtiges Thema ist auch der «Irish Rover». Einer, der auszieht, auf Wanderschaft geht und später wieder heimkehrt. Auch dieses Bild ist tief in der irischen Geschichte mit seinen enormen Emigrationsströmen verankert.

Versucht ihr diese Tradition des Geschichtenerzählens auch auf eure eigenen Texte zu übertragen?
David: Ja natürlich. «The Three-Cornered Hat» von «Bümpliz Süd» zum Beispiel ist die Geschichte einer Bretagne Reise von mir, die ich offensichtlich einmal verarbeiten musste. lacht
Was ich übernehme ist also die Idee des Geschichtenerzählens sowie die Sprache. Inhaltlich orientiere ich mich an meinem eigenen Erfahrungshorizont. Der Titel «Bümpliz Süd» macht’s vor.

Und auf die eingängigen Texte der bekannten irischen Pubsongs verzichtet ihr. Wieso eigentlich?
Stefanie: Schon nur um das Niveau etwas zu heben. lacht
David: Es würde auch relativ schnell langweilig werden, weil man diese Songs schon zu viel gehört hat. Wenn man sie so arrangieren würde, dass sie wieder etwas interessanter wären, dann würden sie vom Publikum kaum akzeptiert werden. Es gibt meiner Meinung nach schon genügend gute Versionen dieser Songs.
Vielmehr möchten wir mit An Lár etwas Neues, Anspruchsvolles schaffen und unsere Konzerte nicht zu einem Wunschkonzert von irischen Pubsongs machen.

Wie stark fühlt ihr euch der irischen Tradition verpflichtet?
David: Mit unserer Musik stehen wir eigentlich mitten in dieser Tradition. Allerdings versuchen wir nicht, diese möglichst authentisch abzubilden. Stefanie: Wir wollen etwas Neues, Eigenes daraus machen. Deshalb schreiben wir eigene Kompositionen und spielen nicht ausschliesslich Irish Folk.
David: Es gibt ja eigentlich auch keinen authentischen Irish Folk. Dafür hat sich die Musik zu fest entwickelt und dafür gibt es auch zu viele regional unterschiedliche Stile.
Stefanie: Diese Mischung aus Eigenem und Traditionellem konnten wir  auf «Yarn» bislang sicher am Besten verwirklichen.

 

«Yarn» kann ab 31. Januar unter www.anlar.ch bestellt oder im Jecklin gekauft werden.

31. Januar 2009, CD Release Party im Bären, Münchenbuchsee. Siehe Verlosung auf www.ensuite.ch.

 An Lár (v.l.n.r.): Jürg Frey, Stefanie Aeschlimann, David Brühlmann, Matthias Hofer; Foto: Reto Camenisch

alle anderen Fotos: Timon Raemy
(… Klick auf die Fotos lassen sie grösser werden …)

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Dieser Artikel erschien im ensuite Kulturmagazin Nr. 73 | Januar 09

9. Januar 2009  – Dachstock Reitschule
Doreen Shaffer (JAM) & The Moon Invaders (B)

Ein grossartiger Auftakt ins neue Jahr. Endlich wiedermal kommt die Hauptstadt in den Genuss von erstklassigem Ska. Nachdem der Ska-Hype etwas abgeflaut ist, verschwanden auch die vielen Konzerte. Umso mehr muss man die Gelegenheit beim Schopf packen, wenn doch einmal zum skanken aufgerufen wird. Umso mehr wenn es die alte Grossmutter mit der umwerfenden Stimme aus Jamaica tut. Doreen Shaffer arbeitet momentan mit den ebenfalls genialen Belgiern von The Moon Invaders an einem gemeinsamen Album. Bleibt mir nur noch zu sagen: Put on your dancing shoes and do the ska!

Aktuelles Album (The Moon Invaders): Movin’ & Groovin’ (2007)
www.dachstock.ch

29. Januar 2009 – ISC Club – Wendy McNeill (CAN)

Die Hälfte der Konzerttipps von diesem Monat kenne ich selbst zu wenig. Doch, man soll sich ja auch an Neues heranwagen. So etwas wäre Wendy McNeill aus Schweden und/oder Kanada - auf alle Fälle aus dem Hohen Norden. Was man auf Myspace anhören kann, klingt vielversprechend. Ein Mix aus allen schwedischen Singer/Songwriter-Sternchen mit einer Prise Dead Brothers Folk. Wendy McNeill tritt mit Band an und wird von Pierre Omer, dem Dead Brothers Mitbegründer himself supported.

Aktuelles Album: A Dreamers Guide To Hardcore Living (2008)
www.isc-club.ch
weitere Konzerte: 28.01, Le Borg, Lausanne | 30.01, Südpol Luzern
31.01, Grabenhalle St. Gallen | 01.02, Salzhaus Winterthur